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상상해보세요 : 스크립트 아이디어가 있습니다. 큰 아이디어-코미디 또는 드라마 내러티브로 바꾸고 싶습니다. 어떻게 진행합니까? 한 번에 뉴스 룸에 가고 싶을 수도 있지만 단계별로 잘 계획된 경우 훨씬 더 좋을 것입니다. 브레인 스토밍 세션을 수행하고 구조의 개요를 만들어 프로세스를 분할하고 단순화합니다.

단계

3 단계 중 1 : 아이디어 수집

1. 

   어떤 종류의 이야기를하고 싶은지 결정하십시오. 각 이야기는 다르지만 대부분의 연극은 청중이 텍스트에서 발생하는 관계와 사건을 이해하고 해석하는 데 도움이되는 카테고리로 분류됩니다. 묘사하고 싶은 캐릭터와 그들의 이야기가 어떻게 전개 될지 생각해보세요. 그들:
   • 미스터리를 풀어야합니까?
   • 사람으로 성장하기 위해 일련의 섬세한 상황을 겪고 있습니까?
   • 순진하지 않고 인생 경험을 얻습니까?
   • 그들은’의 Odysseus처럼 위험한 여정에 직면합니다.오디세이?
   • 사물에 질서를 가져다 주는가?
   • 목표를 추구하면서 다양한 장애물을 극복하고 있습니까?

2. 

   
   
   내러티브 아크의 기본 부분을 브레인 스토밍하세요. 내러티브 아크는 처음부터 중간 및 끝까지 작품의 진행 과정입니다. 이 세 부분의 기술적 용어는 항상 그 순서대로 "노출", "액션 증가"및 "해상도"입니다. 연극의 길이나 수에 관계없이 저자는 이제까지 이 세 가지 요소를 개발해야합니다. 최종 텍스트를 작성하기 전에 각 항목을 탐색하는 방법을 구성하십시오.

3. 

   
   
   전시회에 포함 할 내용을 결정하십시오. 전시는 연극을 시작하여 줄거리의 기본 정보를 제공합니다. 이야기는 언제 어디서 열리나요? 누가 주인공이지? 적대자 (중심 갈등을 일으키는 사람)를 포함한 2 차 인물은 누구입니까? 캐릭터의 중심 갈등은 무엇입니까? 연극 장르 (코미디, 드라마, 비극 등)는 무엇인가요?

4. 

   
   
   노출을 성장하는 행동으로 전환하십시오. 성장하는 행동에서 캐릭터가 직면하는 상황은 점점 더 복잡해집니다. 중심 갈등은 주요 요소이며 청중을 점점 더 긴장하게 만드는 데 도움이됩니다. 이 갈등은 다른 캐릭터 (적대자), 외부 조건 (전쟁, 가난, 사랑하는 사람과의 분리) 또는 주인공 자신 (예 : 불안감을 극복해야 함)과 함께 발생할 수 있습니다. 증가하는 행동은 이야기의 절정으로 이어집니다. 갈등이 심각한 상황에있는 가장 긴장된 순간입니다.

5. 

   갈등이 어떻게 해결 될 것인지 결정하십시오. 이 결의안은 클라이맥스 갈등의 긴장을 종식시키고 서사 아크를 종결시킨다. 해피 엔딩 (주인공이 원하는 것을 얻음), 비극 (독자가 주인공의 실패에서 무언가를 배우는 것) 또는 대단원 (모든 질문에 대한 답변).

6. 

   줄거리와 이야기의 차이점을 이해합니다. 연극의 내러티브는 "줄거리"와 "스토리"로 구성되어 있으며 관객의 관심을 사로 잡기 위해 함께 개발 된 두 가지 별개의 요소입니다. 영국의 소설가 E. M. Forster는 "역사"를 연대순으로 연극에서 일어나는 일로 정의했습니다. "줄거리"는 연극에서 발생하는 사건을 연결하여 감정적으로 영향을주는 논리입니다. 차이점의 예 :
   • 이야기 : 주인공의 여자 친구가 그와 헤어졌다. 그리고 그는 직장을 잃었습니다.
   • 줄거리 : 주인공의 여자 친구가 그와 헤어졌다. 위로가되지 않는 그는 직장에서 감정적 쇠약을 겪었고 결국 해고당했습니다.
   • 흥미롭고 관객의 관심을 사로 잡는 속도로 작품을 펼치는 데 도움이되는 스토리를 개발해야하며, 캐주얼 한 방식으로 연결되는 방식을 보여 주어야합니다. 그것이 대중이 등장 인물과 사건에 관심을 갖기 시작하는 방법입니다.

7. 

   이야기를 전개하십시오. 스토리가 흥미롭지 않으면 음모의 정서적 공명을 심화시킬 수 없습니다. 글쓰기를 시작하기 전에 작품의 기본 요소에 대해 생각하세요. 이렇게하려면 다음 질문에 답하십시오.
   • 이 이야기가 전개되는 장소가 어디입니까?
   • 주인공 (주인공)은 누구이며 중요한 보조 인물은 누구입니까?
   • 극에서이 캐릭터들의 중심 갈등은 무엇입니까?
   • 연극의 행동을 시작하고 중심 갈등으로 이어지는 "초기 사건"이란 무엇입니까?
   • 충돌하는 동안 캐릭터는 어떻게 되나요?
   • 연극이 끝날 때 갈등은 어떻게 해결됩니까? 캐릭터에 어떤 영향을 미칩니 까?

8. 

   이야기를 심화시키기 위해 줄거리를 개발하십시오. 줄거리는 스토리의 모든 요소 (이전 단계에 나열 됨) 간의 관계를 발전시키는 데 도움이됩니다. 그것에 대해 생각할 때 다음 질문에 답하십시오.
   • 캐릭터끼리의 관계는 어떻습니까?
   • 캐릭터는 중앙 갈등과 어떻게 상호 작용합니까? 어떤 것이 가장 큰 영향을 받습니까? 처럼?
   • 올바른 캐릭터가 중앙 갈등과 상호 작용하도록 스토리 (이벤트)를 어떻게 구성 할 수 있습니까?
   • 한 이벤트에서 다음 이벤트로의 논리적이고 우연한 진행은 무엇이며 절정과 해결을 향한 지속적인 흐름을 구축하는 데 도움이되는 것은 무엇입니까?

파트 2/3 : 작품의 구조에 대해 생각하기

1. 

   경험이 없으면 연극으로 시작하십시오. 연극을 쓰기 전에 어떻게 구성하고 싶은지 알고 있어야합니다. 단막극은 중단이 없으므로 초보 극작가에게 이상적입니다. 연극의 예는 다음과 같습니다. Rafameia 또는 Boi-de-Fogo, Gilvan de Brito. 이것이 가장 단순한 구조이지만, 모든 스토리에는 노출이있는 내러티브 아크가 필요하고 액션과 해상도가 증가한다는 점을 기억하십시오.
   • 연극은 간격이 없기 때문에 시나리오, 배우의 의상 및 기타 기술이 더 간단합니다.

2. 

   한 막으로 연극의 길이를 제한하지 마십시오. 이 구조는 쇼의 기간과 관련이 없습니다. 조각은 다양한 기간을 가질 수 있습니다. 일부는 10 분이고 다른 일부는 1 시간입니다.
   • 한 막의 일부 작품은 몇 초에서 10 분까지 지속됩니다. 학교 프레젠테이션 등은 물론 특정 형식에 대한 경쟁에도 탁월합니다.

3. 

   더 복잡한 이야기를 만들기 위해 두 막으로 연극을 작성하십시오. 이것은 현대 연극에서 가장 일반적인 구조입니다. 작품의 길이에 대한 구체적인 규칙은 없지만 일반적으로 각 행위는 약 30 분 동안 진행되며 그 사이에 간격이 있습니다. 이 간격 동안 청중은 화장실에 가거나 휴식을 취하고 무슨 일이 일어 났는지 생각하고 첫 번째 부분에 표시된 갈등에 대해 토론 할 수 있습니다. 한편, 팀은 배우들의 풍경, 의상, 메이크업을 조정합니다. 각 휴식 시간은 약 15 분입니다. 글을 쓸 때 이것을 고려하십시오.
   • 작품 배꼽 속의 루비Ferreira Gullar의는 두 막으로 이루어진 연극의 예입니다.

4. 

   2 막 구조에 플롯을 적용합니다. 이 구조를 통해 부품 조립 팀은 기술적 조정에 더 많은 시간을 할애 할 수 있습니다. 쇼가 휴식을 취하기 때문에 스토리에 유동적 인 내러티브를 제공하는 것은 불가능합니다. 이 간격을 염두에두고 구조화하여 청중이 첫 번째 행동 이후에 발생하는 일에 대해 긴장하고 불안하게 만듭니다.
   • 주요 사건은 상황화 및 노출 이후 첫 번째 행동 중간에 발생해야합니다.
   • 주요 사건이 끝나면 극적이든 비극적이든 코믹한 든 청중을 긴장시키는 여러 장면을 작성하십시오. 그들은 첫 번째 행동을 끝내는 갈등으로 이어져야합니다.
   • 역사상 가장 긴장된 지점 직후에 첫 번째 막을 마칩니다. 관객들은 휴식의 끝과 2 막의 시작을 걱정할 것이다.
   • 두 번째 막은 첫 번째 막의 끝보다 덜 긴장된 상태로 시작합니다. 따라서 대중은 두려워하거나 쿵쿵 거리지 않을 것입니다.
   • 절정으로 이끄는 갈등의 긴장을 증가시키는 두 번째 막에서 여러 장면을 쓰십시오. 더 시제), 조각의 끝 직전에.
   • 갑작스럽게 조각이 끝나지 않도록 낙하 동작과 결의안을 적는다. 모든 연극이 해피 엔딩을 필요로하는 것은 아니지만 관객은 공개되는 연기에 쌓인 긴장감을 느껴야한다.

5. 

   더 길고 복잡한 플롯에는 3 막 구조를 사용합니다. 경험이없는 경우에는 한두 막의 연극으로 시작하는 것이 가장 좋습니다. 3 막은 더 길기 때문입니다. 약 2 시간 동안 관객을 사로 잡는 프로덕션을 설정하려면 더 많은 경험이 필요합니다. 그래도 말하려는 이야기가 더 복잡하다면 3 막을 쓰는 것이 더 나을 수 있습니다. 두 사람이있을 때와 마찬가지로 조립 팀은 풍경, 옷 등을 조정하는 데 더 많은 시간을 할애합니다. 휴식 시간에. 이 모델을 따르십시오 :
   • 첫 번째 단계는 전시입니다. 캐릭터와 관련 정보를 점진적으로 소개합니다. 관객이 주인공과 그가 처한 상황에 대한 애정을 만들게하여 일이 잘못되기 시작할 때 감정적 인 반응이 일어나도록합니다. 이 행위는 또한 나머지 부분에서 개발할 문제를 제시해야합니다.
   • 두 번째 단계는 합병증입니다. 주인공에게는 상황이 더 위험하고 긴장되는 반면 문제는 더 복잡해집니다. 예를 들어 절정에 가까운 중요한 정보를 공개 할 수 있습니다. 이 계시는 주인공이 모든 것을 해결할 힘을 가질 때까지 흔들리지 않아야합니다. 두 번째 막의 끝은 절망적이며, 주인공의 계획은 폐허가됩니다.
   • 세 번째 막은 결의입니다. 주인공은 이전 막의 장애물을 극복하고 연극의 결론에 도달 할 방법을 찾습니다. 모든 연극에 해피 엔딩이있는 것은 아닙니다. 예를 들어 영웅은 죽을 수 있습니다. 중요한 것은 청중이 경험에서 무언가를 배우는 것입니다.
   • 작품 Aranhol, José Sizenando의 3 막 연극의 예입니다.

3/3 부 : 연극 작성

1. 

   행위와 장면을 스케치하십시오. 이 기사의 처음 두 섹션에서는 내러티브 아크, 스토리와 줄거리, 구조에 대한 기본 아이디어를 브레인 스토밍했습니다. 이제 글 자체를 쓰기 시작하기 전에이 모든 요소를 ​​종이에 자세하게 적 으세요.
   • 중요한 캐릭터는 언제 소개 할 예정인가요?
   • 얼마나 많은 장면을 포함 할 예정입니까? 그리고 각각에서 정확히 어떤 일이 발생합니까?
   • 줄거리에주는 진행 상황에 대해 항상 생각하는 이벤트를 작성하십시오.
   • 팀은 언제 시나리오를 변경해야합니까? 옷? 부품을 더 자세히 계획 할 때 이러한 기술적 요소를 고려하십시오.

2. 

   작품을 작성하기 위해 개요를 추가로 개발하십시오. 자연 스럽거나 배우가 캐릭터를 연기하는 방법을 생각하지 않고 가장 기본적인 대화로 시작하십시오. 첫 번째 개요에서는 더 일반적인 부분에 대해서만 걱정하면됩니다.

3. 

   자연스러운 대화를 만드세요. 배우에게 잘 구성된 대본을 제공하여 대사를 인간적이고 실제적이고 감정적 인 방식으로 해석합니다. 대화를 큰 소리로 읽는 자신을 녹음 한 다음 오디오를 듣습니다. 로봇처럼 들리거나 부드럽게 들리는 부품에주의하십시오. 문학 작품의 경우에도 등장 인물은 여전히 ​​자연 스러워야합니다. 예를 들어, 주인공이 직장이나 저녁 식사에서 무언가에 대해 불평 할 때 배우려고하지 마십시오.

4. 

   접선 대화를 작성하십시오. 모두가 친구 나 지인과 이야기 할 때 약간 엉망이됩니다. 연극에서 갈등의 진행에 대해 생각해야하지만 여전히주의를 분산시킬 여지가있어 텍스트를보다 사실적으로 만듭니다. 예를 들어, 주인공이 누군가에게 연애 종료에 대해 이야기 할 때 상대방이 관계가 얼마나 오래 지속되었는지 묻는 두세 줄을 포함 할 수 있습니다.

5. 

   대화에 방해 요소를 포함하십시오. 무례 해지기를 원하지 않을 때도 사람들은 "이해한다"또는 "당신이 옳다"와 같은 긍정적 인 감탄사를 만들기 위해 항상 서로를 방해합니다. 사람들은 심지어 방해한다 그들 자신: "저-봐요, 토요일에 태워 주셔도 돼요-근데 요즘 일이 너무 바빠요."
   • 문장 조각을 사용하는 것을 두려워하지 마십시오. 이 관행은 특정 유형의 텍스트에서 잘 인식되지 않지만 일상 대화에서 여전히 일반적입니다. 예 : "나는 개가 싫어. 모두 다".

6. 

   팀에 지침을 포함하십시오. 따라서 제작에 관련된 배우 및 기타 에이전트는 연극에 대한 귀하의 비전을 이해할 것입니다. 이탤릭체 또는 대괄호를 사용하여 대화 상자와 혼동하지 않고 이러한 지침을 제공하십시오. 배우는 대사를 해석하기 위해 자신의 크리에이티브 라이선스를 사용하지만 더 일반적인 방향을 제시 할 수 있습니다.
   • 대화 지침 :.
   • 물리적 행동 : e.
   • 감정 상태 : 등

7. 

   부품의 초안을 필요한만큼 다시 작성합니다. 당신의 작품은 바로 완벽하지 않을 것입니다. 숙련 된 작가조차도 결과가 만족스러워지기 전에 텍스트를 여러 번 교정해야합니다. 천천히하세요! 디자인이 새로워 질 때마다 세부 정보를 추가하여 작업을 수행하는 데 도움이됩니다.
   • 더 많은 세부 정보를 추가하는 경우에도 "Del"키가 매우 편리 할 수 ​​있습니다. 이렇게 생각해보십시오. 나쁜 것을 취함으로써 좋은 것을 찾을 수도 있습니다. 정서적 무게가없는 모든 대화와 사건을 제거하십시오.
   • 일반적으로 전문가들은 청중이 작품을 읽을 때 건너 뛸 부분을 저자가 잘라낼 것을 권장합니다.

팁

• 대부분의 연극은 특정 시간과 장소에 설정됩니다. 일관성을 유지하십시오. 예를 들어 1930 년대에 살고있는 캐릭터는 전화를 걸거나 전신을 사용할 수 있지만 텔레비전을 볼 수는 없습니다.
• 올바른 형식의 연극을 따르는 방법을 배우려면이 기사 끝에있는 참고 자료 (영문)를 참조하십시오.
• 필요할 때마다 즉시 수정하십시오. 때로는 자발적인 연설이 원래 연설보다 훨씬 낫습니다!
• 작은 청중에게 대본을 소리내어 읽어보십시오. 연극은 단어를 기반으로하며,이 테스트가있을 때 그 힘 또는 부족이 분명합니다.
• 부품을 자신에게 맡기지 마십시오. 당신이 글을 쓰고 있음을 보여주기 위해 그것을 홍보하십시오!
• 첫 번째 항목에 만족하더라도 여러 초안을 작성하십시오.

경고

• 극장 세계는 아이디어로 가득 차 있지만 스토리를 독창적으로 다루어야합니다. 다른 사람의 작품을 훔치는 것은 표절 일뿐만 아니라 거의 항상 가면이 드러나지 않는 범죄입니다.
• 작업을 보호하십시오. 표지에 귀하의 이름과 작품을 쓴 연도를 포함하고 그 뒤에 저작권 기호를 표시하십시오.
• 작품이 거부 될 때 낙심하지 마십시오. 한 번 수락되지 않으면 다른 글을 써야하더라도 다른 글을 써보십시오.